EL MUSEO DEL PRADO Y SUS OBRAS MAESTRAS

A estas alturas no os voy a descubrir que el Museo del Prado es uno de los museos más importantes del mundo, con una colección de más de 8600 obras de arte, muchas de ellas, procedentes de la colección real. Además es el museo que más Goyas tiene, 152 en total, y lo mismo pasa con Velázquez, El Greco, Tiziano o Rubens entre otros.

Estatua de Velázquez frente al museo del Prado

Tanto arte junto, en un espacio tan grande (¡¡tiene 42.000 metros cuadrados!!), puede abrumar un poco, así que pensando en que hacerte la visita más fácil, he preparado un recorrido por el Museo del Prado y sus obras maestras. Evidentemente, no están todas las que son, pero sí son todas las que están. Como todas las selecciones, es cuestión de gustos y puede que te sobre alguna obra o eches en falta otras. Así que si quieres hacerte tu propio recorrido del Museo del Prado, en su web, puedes personalizarlo a tu gusto

Plano museo del Prado. Piso Cero

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

El jardín de las delicias. El Bosco.

El jardín de las delicias. El Bosco. 1490-1500.

Se trata de un tríptico, en el que en el lado izquierda se representa a Adán y Eva, en el centro, está el paraíso, en el que las personas se entregan a la lujuria y el pecado, y en la parte derecha, está el infierno, como el castigo frente a los excesos. Como curiosidad, todas las figuras del panel central están desnudas excepto dos, que están en la esquina inferior derecha, que representan a Adán y Eva tras su expulsión del paraíso.

ADÁN Y EVA

Adán y Eva. Durero.

Adán y Eva. Durero. 1507

En realidad, se trata de dos tablas independientes, donde Durero representa el ideal de belleza del cuerpo humano. Tienen una gran importancia ya que fueron los primeros desnudos a tamaño natural de la pintura nórdica. A mí me llama la atención, la diferencia en el color de la piel entre Adán y Eva, siendo un tono más moreno el de Adán, frente al rosado de Eva.

AUTORRETRATO DE DURERO

Autorretrato. Durero.

Autorretrato de Durero. 1498.

Muchos artistas se pintaban asimismos, pero ninguno se representaba con tanta elegancia. Durero se retrata como un adonis, vestido muy elegantemente, incluso con guantes, un detalle que representaba el lujo en aquella época. A pesar de que no se suaviza sus rasgos y se retrata de una forma muy realista, sale muy bien parecido.

LA ÚLTIMA CENA

La ultima cena. Juan de Juanes.

La última cena. Juan de Juanes. Sobre 1562.

Este cuadro fue pintado para el retablo de la Iglesia de San Esteban de Valencia, junto con casi media docena de pinturas más sobre la vida de San Esteban, también expuestas en el Prado. No sé a vosotros, pero a mí me recuerda mucho a la última cena de Leonardo Da Vinci. Como curiosidad, el cáliz del cuadro es igual al que se encuentra en la catedral de Valencia.

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO

Los fusilamientos del 3 de Mayo. Goya

Los fusilamientos del 3 de Mayo. Goya. 1814.
Goya representa en este cuadro la lucha del pueblo al inicio de la guerra de la independencia frente a los franceses. Este cuadro tiene una pareja, el dos de Mayo de 1808 en Madrid. Son cuadros muy realistas, sanguinarios y que, a mí, me dejan un sensación un poco agridulce. Aunque, pensándolo bien, esa sensación me queda con todos los cuadros de Goya, ya que me resultan inquietantes.

Plano museo del Prado. Piso 1

DAVID VENCEDOR DE GOLIAT

David vencedor de Goliat. Caravaggio.

David vencedor de Goliat. Caravaggio. Sobre 1600.

Sobre un fondo oscuro, Caravaggio representa el momento en el que David mata a Goliat con la honda y le corta la cabeza. Una escena representada con mucho realismo y donde se aprecia el dominio que tenía Caravaggio de las luces y sombras. Al hacerle una radiografía a la pintura, se descubrió que, la primera versión de la cara de Goliat era mucho más violenta. Con los ojos desorbitados y la boca abierta con un gesto espantoso. Al que encargó la pintura no le debió gustar mucho, porque la expresión definitiva no es tan dramática.

LA RENDICIÓN DE BREDA

Las Lanzas. Velazquez.

La rendición de Breda o Las Lanzas. Velázquez. Sobre 1635.

Y llegamos a uno de mis artistas favoritos, Velázquez, del que he escogido varias de sus obras. La rendición de Breda es un encargo que se realizó a Velázquez cuando éste ya era un pintor muy prestigioso. Recoge el momento en el que se entregan las llaves de la ciudad de Breda al mando de los tercios de Flandes, una de las victorias más importantes durante el reinado de Felipe IV. A pesar de que hay muchos elementos en el cuadro, la mirada se va directamente al acto de la entrega de las llaves. Genial composición.

LOS BORRACHOS

Los borrachos. Velázquez.

Los borrachos. Velázquez. 1628-1629.

El cuadro se titula El triunfo de Baco, conocida popularmente como los borrachos y fue pintada para Felipe IV. En el centro el Dios Baco, rodeado por unos cuantos borrachos. Contrastan enormemente las facciones, el color de la piel y la luz de los distintos personajes. Se dice que el contexto mitológico, con el aire cómico del cuadro, fue sugerido por Rubens, que, en la época en la que lo pintó Velázquez, se encontraba en Madrid.

LA FRAGUA DE VULCANO

Fragua de vulcano. Velazquez.

La fragua de Vulcano. Velázquez. 1630.

Se representa la escena en la que el Dios Apolo le da la noticia a Vulcano del adulterio de su esposa Venus con Marte reflejando perfectamente el impacto que esta noticia ejerce, quedando toda la fragua paralizada ante esta noticia. Velázquez pintó este cuadro en Italia, se la trajo a España y posteriormente, en 1634, se la vendió a la corona.

LAS MENINAS

Las Meninas. Velazquez.

Las Meninas. Velázquez. 1656.

Las Meninas quizá sea el cuadro más famoso de Velázquez y uno de los más grandes ya que mide 318 x 276 cm. Representa a la infanta Margarita de Austria rodeada de sus doncellas, sus meninas. Velázquez se autorretrata pintando un cuadro, el cual se refleja en el espejo de la pared trasera. Son el Rey Felipe IV y su esposa Mariana de Austria. Al fondo, un personaje masculino asoma a través de una puerta abierta. Velázquez tiene, sobre su pecho, el emblema de la orden de Santiago, que se añadió posteriormente. Para terminar la composición y en primer plano, nos encontramos con un perro tumbado a los pies de la enana. Es un cuadro que se sale de todo lo pintado anteriormente. Parece que se trata de un retrato de la infanta Margarita, pero la acción no está centrada en ella, ya que parece que pasa "algo" fuera de la escena, y todos los personajes del cuadro miran como hacia fuera del cuadro, hacia el espectador. Al parecer, Velázquez se inspiró en otro gran cuadro, el matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck, para pintar las Meninas, cuadro que conocía muy bien ya que pertenecía a la colección de Felipe IV. Como última curiosidad, el cuadro de Las Meninas se salvó del famoso incendio del Alcázar de Madrid, en el que se quemaron grandes obras de arte, ya que fue arrojado por la ventana.

LAS HILANDERAS

Las hilanderas. Velazquez.

Las hilanderas o la fábula de Aracne. Velázquez. 1655-1660.

La fábula de Aracne cuenta la historia de un joven mujer, Aracne, que tejía tan bien que incluso superaba a la Diosa Atenea, inventora de la rueca. Esta escena se representa en la parte delantera del cuadro, siendo Aracne la mujer de la camisa blanca y Atenea la mujer de negro. Al fondo del cuadro se representa el desenlace de la fábula. En la pared, colgado el tapiz tejido por Aracne y varias mujeres mirándolo, entre ellas, Atenea, está furiosa y ofendida ante el trabajo de Aracne, y finalmente la convertirá en araña, castigándola a tejer eternamente. La perspectiva y la iluminación están perfectamente resueltos. Fíjate en la rueca ¿A qué parece que gira a una alta velocidad?

LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO

Sagrada familia del pajarito. Murillo.

Sagrada familia del pajarito. Murillo. Sobre 1650.

Murillo tenía un estilo de pintura, que a mí, lo que me hace sentir, es ternura. En este cuadro, se representa una escena religiosa, José, María y el niño Jesús, la sagrada familia, pero en un ambiente muy informal, como si se tratara de una estampa familiar. El título del cuadro es debido a que el niño tiene un pajarito en su mano derecha.

LA CONDESA DE CHINCHÓN

La condesa de Chinchon. Goya.

La condesa de Chinchón. Goya. 1800.

Volvemos a Goya con 3 de sus cuadros más famosos. La condesa de Chinchón era María Teresa de Borbón y Vallabriga, esposa de Godoy. En el momento del retrato, la condesa tenía tan solo 19 años y estaba embarazada. Goya la representó con una expresión de paz y tranquilidad pero con un sensación como de abandono.

LA MAJA DESNUDA

La maja desnuda. Goya.

La maja desnuda. Goya. Antes de 1800.

Quizá sea una de las obras más famosas de Goya, junto con la maja vestida, que se pintó posteriormente. En ambos cuadros se representa a la misma mujer, recostada sobre unos cojines, como si de la Diosa Venus se tratara. Tanto la maja desnuda como la maja vestida fueron propiedad de Godoy y se ha especulado mucho sobre la identidad de la mujer. Entre las candidatas estaban la Duquesa de Alba, amiga de Godoy, o su amante, Pepita Tudó, pero no se sabe a ciencia cierta de quien se trata. Al parecer, ambos cuadros formaban solo uno, como haciendo un juego. La maja vestida estaba colocado sobre la maja desnuda, y mediante un mecanismo se descubría ésta última. De esta forma, el desnudo no era visible para todo el mundo. En 1814,  la obra fue incautada por la Inquisición y Goya fue sometido a juicio. Salió absuelto gracias a sus contactos, pero el cuadro permaneció oculto hasta principios del S. XX.

LA MAJA VESTIDA

La maja vestida. Goya.

La maja vestida. Goya. 1800-1808.

LAS TRES GRACIAS

Las tres Gracias. Rubens.

Las tres Gracias. Rubens. 1630-1635.

Inconfundibles los cuerpos desnudos de las mujeres de Rubens. Rollizos, exuberantes y carnosos. Las tres Gracias de la mitología griega simbolizan el amor, la sexualidad, la fertilidad y la belleza y están representadas casi como si fueran a comenzar un danza mientras, un cupido, en la esquina superior derecha, sujeta una cornucopia de la que sale agua.

CARLOS V EN LA BATALLA DE MÜHLBERG

Carlos V en la batalla de Mühlberg. Tiziano.

Carlos V en la batalla de Mühlberg. Tiziano. 1548.

Este cuadro conmemora la victoria de Carlos V en la batalla de Mühlberg, con un estilo épico y heroico. Este retrato ecuestre de Carlos V fue otra de las obras maestras que se salvó del incendio del Alcázar de Madrid junto con las Meninas. Quedó muy oscurecido por el humo, sobre todo por la parte inferior, pero, gracias a una genial labor de restauración, hoy en día, lo podemos ver en todo su esplendor.

EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO

Caballero mano pecho. Greco.

El caballero de la mano en el pecho. El Greco. 1614.

Se trata de un retrato de un caballero vestido de negro, con los típicos ropajes españoles de la época, la mano derecha en el pecho, una medalla semioculta por los ropajes y por la parte inferior, asoma la empuñadura de la espada. No se sabe de quien es el retrato, pero se ha especulado también mucho sobre identidad. Se ha barajado que fuera un autorretrato, que el caballero fuera Miguel de Cervantes, el secretario de Felipe II, Antonio Pérez, y la que tiene más fuerza sería que la persona retratada era Juan de Silva y de Ribera, Alcaide del Alcázar de Toledo, nombrado por Felipe II.

Detalle de las Meninas. Velazquez

Y hasta aquí mi pequeño recorrido por el Museo del Prado y sus obras maestras, uno de mis museos favoritos. ¿También será uno de los tuyos?.

VISITANDO MADRID

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